Кубизм
художника, - более 200 картин, 158 скульптур, коллажи и тысячи рисунков,
эстампов и документов, а также личная коллекция Пикассо. Новые дары
наследников (1990) обогатили парижский музей Пикассо, Городской музей
современного искусства в Париже и несколько провинциальных музеев (картины,
рисунки, скульптуры, керамика, гравюры и литографии).
Уже первые рисунки Пикассо, выполненные в барселонской художественной
школе и Академии Сан-Фернандо, выглядят как произведения мастера, полностью
владеющего техникой рисунка. В картине Мулен де ла Галетт (1900)
чувствуется интерес девятнадцатилетнего художника к ночной жизни Парижа,
особенно такой, какой ее изображал Тулуз-Лотрек. С начала 1900-х годов в
творчестве Пикассо принято выделять несколько периодов, которым по
огромному стилевому разнообразию и различию формального строя вряд ли можно
найти параллели у других художников.
Картины Пикассо «голубого периода» отражают мир одинокого человека.
Иногда в работы художника проникают лирические нотки, например в картине
Голубая комната (1901, Вашингтон, галерея Филипс), но более типичны для
этого периода его творчества мотивы нищеты и крайней усталости. На картине
Старый гитарист (1903, Чикаго, Художественный институт) изображена
удлиненная, болезненно согнутая фигура. Всепроникающий голубой цвет —
визуальный аккомпанемент меланхолической мелодии. Загадочность и
задумчивость, разлитые в произведениях Пикассо этих лет, словно достигают
предельной концентрации в большом холсте Жизнь (1903, Кливленд, Музей
искусства). Молодая пара с грустью смотрит на женщину, держащую на руках
ребенка.
«Розовый период» (1905—1906) отмечен радикальной переменой цвета и
настроения в творчестве Пикассо. Голубоватый тон работ предшествующего
периода уступил место нежным оттенкам розового и серого в сочетании с
яркими цветами. В эти годы Пикассо часто изображал клоунов, акробатов и
бродячих цирковых артистов. Картина Семья бродячих циркачей (1905,
Вашингтон, Национальная галерея) на первый взгляд кажется свободно и широко
написанной яркой виньеткой из фигур акробатов. Вглядевшись внимательнее,
зритель замечает, что каждый персонаж психологически отделен от остальных и
здесь царит атмосфера одиночества. К этому периоду относятся также
многочисленные гравюры и первая серия скульптур.
В работах, выполненных летом 1906 в местечке Госол в испанских
Пиренеях, впервые появляются симптомы решительного разрыва с классической
традицией. Как Гоген, Бранкузи и фовисты, Пикассо почувствовал
необходимость начать сначала, обратившись к наивному, примитивному
искусству. Мягкая элегантность сменилась брутальностью массивных и жестких
форм. Фигуры приобрели пластические качества древней иберийской скульптуры.
Первобытная мощь чувствуется и в Портрете Гертруды Стайн (Нью-Йорк, музей
Метрополитен), и в Автопортрете (1906, Филадельфия, Художественный музей).
Пикассо никогда окончательно не отказывался от сюжета, поскольку смысл
кубизма во многом заключается в исследовании отношения произведения
искусства к реальному миру. Например, в Натюрморте на плетеном стуле
композиция, вписанная в овал, обрамлена настоящей веревкой; внутри картины
оказываются сопоставленными острые кубистические плоскости, буквы JOU и то,
что призвано изображать плетеное кресло (кусок клеенки от дешевой мебели).
Буквы JOU можно интерпретировать как начало слова journal (газета) или
понимать дословно ( jou — корень французского слова jouer — играть).
Картина действительно является игрой, так как художник предлагает зрителю
сопоставить различные уровни реальности: кусок настоящей веревки, плетенку
от кресла и живописную поверхность.
Начиная с 1912 кубизм принимает новое направление развития и получает
название «синтетического кубизма». Процесс разложения форм на небольшие
фрагменты сменился декоративностью, превращающей картины в плоскостные
красочные панно. С 1912 широко используется техника коллажа (т.е.
построения композиций из кусочков бумаги и других материалов, наклеенных на
холст). В этом жанре Пикассо достиг замечательных результатов, дополняя
живописные композиции подходящими по смыслу газетными иллюстрациями или
фрагментами текстов. Например, он наклеивал на холст фотографию рыбацкого
судна так, что получалось, будто корабль ловит рыбу в нарисованном бокале
вина.
Пространство больших картин, созданных между 1913 и 1919, таких, как
Арлекин (Нью-Йорк, Музей современного искусства), заполнено яркими
контрастными пятнами цвета; подобные декоративные эффекты уже далеко
отстоят от головоломок аналитического кубизма. Высшее достижение в этом
стиле — две картины с одинаковым названием Три музыканта, созданные в 1921
(Нью-Йорк, Музей современного искусства; Филадельфия, Музей искусства).
Для Пикассо в течение всего его долгого творческого пути было
характерно стремление работать в нескольких разных стилях одновременно.
Особенно ярко это проявилось в конце 1910-х — начале 1920-х годов, когда
Пикассо одновременно с кубистическими композициями создавал изысканные и
утонченные рисунки, такие, как Купальщицы (Кеймбридж, шт. Массачусетс,
музей Фогг). В кубизме подчеркивалась плоскостность изображенного
пространства, а на позднем этапе развития стиля оно стало заполняться
яркими цветными пятнами. Однако, когда Пикассо хотел передать мощь
скульптурных форм, он обращался к классической стилистике, напоминавшей
некоторые из его картин 1905—1906. Две сидящие женщины (1920, Нью-Йорк,
частное собрание) — характерный пример работы в этом направлении. Крупные
простые формы моделированы светом и тенью, что создает монументальный
образ, почти столь же скульптурный, сколь и живописный.
5.6. “Авиньонские девицы”.
В 1905 г. Пикассо создает свою знаменитую серию “Акробаты”, “Девочка на
шаре”, “Семья акробатов” и другие композиции “розового” периода,
исполненные мягкого лиризма, еще более детализированные, близкие к натуре,
чем предыдущие работы. Они не предвещают того перелома в творчестве
художника, который наступает внезапно и со всей резкостью проявляется
впервые в большой композиции “Авиньонские девицы”. Эта картина была начата
в 1906 г. в манере, довольно близкой предыдущим: портрет Гертруды Стайн,
“Две обнаженные женщины” (обе картины написаны в 1906 г.). Но когда она
была закончена, в 1907 г., в ней не осталось ничего, что напоминало бы
прежнего Пикассо “розового” периода. Пять обнаженных женских фигур,
изображенных в разных ракурсах, заполняющих почти всю поверхность холста,
как бы грубо вытесаны из твердого дерева или камня. Тела предельно
обобщены, лица лишены выражения. Складки драпировок, составляющих фон
картины, создают ощущение распада и дисгармонии.
Авиньонские девушки. П. Пикассо. 1907 год.
Картина Авиньонские девицы (Нью-Йорк, Музей современного искусства),
которую Пикассо решился выставить лишь много лет спустя после ее создания,
является одним из самых революционных произведений начала 20 в. На первый
взгляд, это всего лишь вариация традиционного сюжета — купальщицы на фоне
пейзажа. Однако нарочитые смещения форм создают эффект, автономного
пространства. Холст более не рассматривается как окно в иллюзорное
пространство. Картина теперь не считается подражанием природе и вообще чему
бы то ни было; отныне она самоценный, независимый объект.
В картине Авиньонские девицы изображение состоит из нескольких
фрагментов живописных плоскостей, которые оказываются не жестко
скрепленными, а находящимися в свободном движении друг относительно друга.
Если зритель смотрит на верхний правый угол картины, он с большим трудом
может обнаружить плоскости, разграничивающие объемы предметов и пустое
пространство. Такого разделения — одного из основополагающих понятий для
всей предшествующей западноевропейской живописи — в этой работе не
существует. Искаженные формы со срезанными углами и совмещением фрагментов
разных пространственных планов передают ощущение необработанности первичной
материи. В поисках первобытной энергии и мощи Пикассо, как уже отмечалось,
обращался к мотивам иберийской скульптуры и африканских резных деревянных
масок — формам примитивного искусства, которые в начале века вызывали
огромный интерес у парижских художников и любителей искусства.
Замысел и композиция картины Авиньонские девицы соответствуют эстетике
кубизма — направления в искусстве, которое создали ок. 1909 Пикассо и Брак.
Первая фаза развития этого течения (1909—1912) получила название
«аналитический кубизм»: предметы, все еще узнаваемые, как бы разложены на
