Английский портрет 18 века
провозгласил первенство в искусстве воображения и чувства. Его портретам
часто присуща та двойственность, которая ощущается в его теории.
Еще при жизни старшего современника Рейнолдса - У. Хогарта в
английском обществе зрело желание создать профессиональное художественное
учебное заведение, с постоянным выставочным помещением и музеем. В декабре
1768 года устав Академии художеств был подписан королем, ставшим ее
патроном, так что и по сей день Академия имеет титул Королевской. Ее двери
распахнулись для первой выставки 130 картин известнейших английских
живописцев того времени во главе с Рейнолдсом. С тех пор в стенах этого
учебного заведения регулярно устраиваются выставки, а из лучших дипломных
работ выпускников Академии составлена и постоянно пополняется замечательная
картинная галерея.
Первым президентом Королевской академии художеств стал и почти до
самой смерти оставался Джошуа Рейнолдс, возведенный в рыцарское достоинство
и отныне именовавшийся сэром. Президент Академии расширял с каждым годом
свои общественные связи, становился членом всевозможных клубов, получил
степень доктора гражданского права Оксфордского университета, был избран
мэром родного города Плимптона и с 1784 года занимал должность главного
королевского художника.
Создавая «исторический», «большой» стиль в портретной живописи,
Рейнолдс как глава Академии не мог не отдать дань собственно исторической
картине. В академической иерархии жанров на первом месте традиционно был
исторический (хотя в те времена под историческим сюжетом подразумевался
прежде всего мифологический или религиозный). Но знаменитого портретиста в
этом жанре преследовали неудачи. Среди большого числа малооригинальных
исторических композиций Рейнолдса наиболее интересными и облагающими
высокими художественными достоинствами являются уже упомянутый «Младенец
Геракл» и написанный по заказу Потемкина «Амур, развязывающий пояс Венеры».
Джошуа Рейнолдс творил более 40 лет, имел множество поклонников и
немало друзей, но всегда оставался одинок. С молодости он плохо слышал, а с
1789 года начал терять зрение. Биографы рассказывают, что, когда художник
перестал видеть одним глазом, он положил кисть на мольберт и спокойно
заметил с мужеством, которое ему никогда не изменяло: «Всему на свете есть
конец, пришел и мой конец». В 1790 году Джошуа Рейнолдс сказал прощальную
речь студентам Академии, а в 1792 году он был торжественно похоронен в
лондонском соборе св. Павла, навсегда оставшись гордостью английской
живописи.
Уильям Хогарт (1697-1764)
Каждая европейская страна пережила свой «золотой» век классического
искусства, отмеченный высочайшими достижениями национальной художественной
школы, творчеством самых отдаренных мастеров. Для Англии таким веком стал
восемнадцатый. Победившая в конце XVII столетия буржуазная революция дала
возможность этой стране стать богатейшей державой мира, где работало целое
созвездие талантливых философов, ученых, писателей, театральных деятелей,
художников.
Но в первой трети XVIII века, когда великий Хогарт был еще молод, этот
процесс только начинался. Однако уже тогда в Англии сложились богатые
традиции литературы и театра, а славные имена поэтов предшествующего
времени Джефри Чосера, Джона Мильтона и особенно Уильяма Шекспира
составляли гордость нации.
Театр еще со времен Шекспира занимал особое место в жизни англичан,
оставаясь и в XVIII веке едва ли не самым любимым их увлечением. И не
случайно одна из постановок была, увековечена в самой ранней тематической
композиции Хогарта. Это был особенно нашумевший в 1720-е годы красочный и
остроумный спектакль «Опера нищего» Джона Гея, сюжет которого был подсказан
Джонатаном Свифтом. В этом откровенном памфлете за масками воров и
проходимцев зрители без труда различали черты современных
высокопоставленных особ. Рассказывали, будто всесильный премьер-министр сэр
Роберт Уолпол громко аплодировал песенке о взятках, очевидно, ему и
адресованной, и попросил спеть ее еще раз, остроумно выходя из неловкого
положения. Хогарт откликнулся на спектакль, от которого был в восторге,
картиной «Опера нищего» (1727), где очень точно воспроизвел одну из сцен
третьего акта пьесы - детали, декорации, исполнители, - то, что обычно
навсегда уходит. А, кроме того, эта работа стала своего рода отправной
точкой в том неизведанном мире, куда Хогарта влекла его «Муза комедии».
В воображении мастера постепенно создавался свой «живописный театр» с
его артистами, декорациями, трагикомическими коллизиями, а главное -
злободневными сюжетами. Авторами «пьес» этого театра были двое: художник и
сама жизнь.
Уильям Хогарт родился в Лондоне, в семье бедного школьного учителя-
неудачника. Жить приходилось почти в трущобах, в холоде и голоде, один
за другим умирали братья и сестры маленького Уильяма. А впечатлительная
натура мальчика уже впитывала «крики» Лондона - царившие на его улицах быт
и нравы, подмечала противоречия и парадоксы.
В столице Англии была тогда сосредоточена вся общественно-политическая
и культурная жизнь страны. Но здесь же соперничали роскошь и нищета,
изысканность и вульгарность, каких в «галантном» XVIII веке не знала ни
одна европейская столица. На улицах Лондона, в кофейнях, в домах Хогарт
встречал людей разных сословий, профессий, нравов и взглядов, внимательно
присматривался к ним. Для Хогарта, чье общее образование ограничивалось
уроками отца да неоконченной приходской школой, именно Лондон стал
подлинным учителем. И мастер, рисовавший вывески, и гравер, и придворный
живописец Джеймс Торнхилл, у которых Хогарт обучался профессиональному
умению, в своих художественных интересах были далеки от того, что особенно
влекло их подопечного - повседневность, жизненность, реализм.
За два предыдущих столетия в стране обосновалось множество иностранных
портретистов, иногда выдающихся, чаще - заурядных. Аристократия ценила и
собирала картины преимущественно старых итальянских и фламандских мастеров,
и до XVIII века в Англии не было ни одного значительного отечественного
портретиста, а также художника, писавшего жанровые полотна или пейзажи.
Хогарт первым вступил на рискованный и тернистый путь зачинателя новых
жанров. А по существу стал творцом самобытного, чисто английского
искусства. «Я обратился к совсем новому жанру - к писанию картин и созданию
гравюр на современные нравственные темы - области, еще не испробованной ни
в одной стране и ни в какие времена», - вспоминал он позже в
«Автобиографии».
Первая живописная «пьеса» Хогарта - серия из шести картин «Карьера
потаскушки» (1731) - показывает дно английского общества. Это грязные улицы
вдали от фешенебельного центра Лондона, жалкие холодные комнаты дешевых
домов, становившиеся нередко притонами бродяг и воров; тюрьма, страшный
образ которой жил в сознании Хогарта с детства, - его отец был арестован за
неуплату долгов.
Достоверна и типична не только история падения героини Хогарта - Мери
Хэкэбаут, неопытной провинциалки, с легкой руки сводни превратившейся в
проститутку. Кажется, что все персонажи написаны с подлинных лиц, их даже
отождествляли с известными публике современниками. И это не случайно -
Хогарт хотел, чтобы сюжет и мораль каждой картины и серии в целом были
предельно понятны зрителю.
Такой подход к живописи был абсолютно новым в изобразительном
искусстве, но не в философии, театре, литературе Англии XVIII века. Вера в
исправительную, очищающую силу искусства была характерна для английского
Просвещения, призывавшего активно вторгаться в жизнь, воздействовать на
нее.
Хогарт стал первым и самым ярким художником-просветителем Англии.
Знаменитый писатель-просветитель Генри Фелдинг провозгласил Хогарта «одним
из самых полезных сатириков своего времени». По Хогарту, основная задача
«полезного искусства» - не развлечение публики, а обличение порока, суд над
жизнью, вершит который сатира.
Гравюры, которые со своих картин собственноручно делал Хогарт,
раскупались, развозились во все уголки Англии, пересекали Ла-Манш, принесли
их автору широкую известность.
Вдохновленный восторженным приемом своей первой серии - сцены из нее
воспроизводились на посуде, веерах, а тема была использована в театральной
постановке, - Хогарт приступил к созданию новой.
К 1735 году появилась «Карьера распутника», состоявшая из восьми
картин. Новый живописный спектакль показывал, как вырождаются сыновья того
класса, который фактически победил в революции конца XVII века и направил
движение Англии по прогрессивному пути капиталистического развития.
