Движение модернизма в русской живописи

соединенные друг с другом различные формы изобразительности. В “Портрете Ф.

Фенеона с цикламеном в руках на эмалевом фоне, ритмизированном посредством

линии, краски” П. Синьяка отчетливо видно, что арабесковый фон исполнен в

ином стилистическом ключе, чем фигура. Сходным образом поступал венский

живописец Г. Климт. Крайнее форсирование в снятии какого-либо качества

приводит его к замене противоположным и — появляются “зеленые розы” (символ

школы Глазго) и подобные им диковинные мутанты стилистики.

Своеобразно и отношение к изобразительному элементу в структуре

художественной формы. Изобразительное в модерне перерастает в

неизобразительное, а неизобразительное— в изобразительное. В самом принципе

изобразительности усиливается условность, которая приводит к абстрактному

арабеску. А. Веркаде писал: “Нет картин, есть только декор”.

В неизобразительных искусствах — архитектуре, декоративно-прикладных

искусствах — появляется жадная тяга к изобразительности. Некоторые здания

А. Гауди имеют биоморфный и оскульптуренный характер, в систему

архитектурной композиции легко “вплавливаются” изобразительные мотивы

(купол над зданием Венского сецессиона в виде громадной кроны дерева),

изделия прикладного ремесла уподобляются органическим формам (в некрологе

Э. Галле говорилось, что “гончарные изделия, мебель, стекло отразили

волшебную картину природы окружающего его мира...”). Конечно, слияние

изобразительного и неизобразительного не всегда имело органический

характер, и модерн знал такие образцы, как резная мебель школы Нанси,

изображавшая целые заросли и “скульптурные” предметы домашнего обихода.

Заметим, что всем попыткам “высокохудожественности” в модерне противостоял

“китч” — его карикатурный двойник, гротеск антихудожественной халтуры.

Столкновение изобразительного и неизобразительного начала привело к

реорганизации орнамента. Орнамент не противопоставлялся форме, как в

эклектике, но являлся частью ее, символической и структурной, как бы

“нервной” системой объекта. Это всегда арабеск, построенный на напряженном

сочетании линий, с частичным использованием изобразительных мотивов. Линии

отводилась главная роль, ибо она умела “говорить”, так как ее

выразительность разрабатывалась на основе теории “вчувствования”. О. Редон

писал об арабеске как о возбудителе фантазии. Аналогично понимал орнамент

О. Бердсли. Линия ценилась потому, что, намекая на бытие формы, она

казалась элементом дематериализованным, абстрактным. Арабеск становился

универсальной формой выражения и переживания мира. “Жест линии”, по словам

ван де Велде, был духовным. В модерне культивировались линии длинные, или

тянущиеся параллельно, или свивающиеся, и линия пунктирная, которая сама в

себе выражала свою условность. Арабеск был противопоставлен принципу

имитации как принципу недуховному. Он был антипространствен по своей сути,

отрицая классическую перспективу.

Модерн — стиль арабесковый, полный внеположенного духовного смысла.

Оппозиционные настроения по отношению к орнаменту рождались не “другим”

модерном, а тем же самым, притом не противоречащим самому себе. Под

орнаментальным в модерне понимались вся структура объекта, его фактура,

внешние силуэтные очертания и т. п. Изживалось лишь развитое

изобразительное начало. “Пуристический стиль” школ Глазго, Вены типичен для

модерна.

Наконец, особой проблемой отношения к форме для модерна является проблема

станкового искусства. Модерн хотел найти общие принципы для всех искусств и

потому деформировал специфику станковизма у традиционно станковых искусств

(живопись, скульптура) и внедрял его принципы в области, им заведомо не

принадлежащие (в архитектуру, прикладные искусства).

Конечно, в станковом искусстве “станковое” не уничтожалось, как и в

нестанковом — нестанковое. Лишь снова мы видим уход от более традиционного

решения, переориентировку видов искусства, деформацию и расширение их

специфики. Искусства, теряя свою изолированность, легче входили в ансамбли,

создавая основу для развития синтеза искусств. Станковое уступало (внешне,

конечно) синтетическому.

Идея синтеза искусств оставалась на протяжении всего развития модерна

кардинальнейшей проблемой искусства. “В ней,— как писал ван де Велде,—

находилось средство для слияния искусства с жизнью”. Идя в жизнь, это

движение хотело внести свой вклад в дело обновления общественного строя.

“Внутри” модерна оказывались, переживая некий инкубационный период,

принципиально новые тенденции, которые затем “подхватит” авангард. Поиски

мастеров модерна провоцировали появление фовизма, экспрессионизма, кубизма,

абстрактного искусства и сюрреализма. Программным и общим для модерна и

авангарда являлись стремление к социальной переделке мира, “перевоспитание

сознания людей”, ритуализация форм поведения художника в обществе,

универсальность художественного языка, склонность к эпатажным акциям.

Наконец, на рубеже веков сложилась и вся структура взаимоотношений

искусства и общества: журналы, галереи, маршаны, коллекционеры, музеи,

рынки, реклама и т.п. Иными словами, был готов “пусковой механизм” для

авангарда.

“Отцами” нового искусства выступили В. Ван Гог, П. Гоген, П. Сезанн, Ж.

Сера, А. Тулуз-Лотрек,— художники постимпрессионизма. В некоторых случаях

сам постимпрессионизм можно рассматривать в качестве первой стадии Ар нуво.

В отношении абстрактной ритмики композиций Сёра и его последователей это

не подлежит сомнению. В творчестве Сезанна видели некого предшественника

кубизма. Безусловно, иконографические мотивы его картин, натюрмортов,

полотна “Пьеро и Арлекин”, гротескность фигур обнаженных, модернистская

“стильность” последнего панно “Большие купальщицы”, да и сам поиск

пластически-колористической пространственной формулы, параллельной природе,

тяга к неопуссенизму, т. е. все “дело отшельника из Экса”, привлекали

внимание многих поколений художников XX в. Ассоциации с кубизмом стали

вызывать “граненность” форм у М. Врубеля. Основатель группы “Наби” П.

Серюзье, предлагавший рассматривать геометрию в живописи наравне с

грамматикой в поэзии, оказал влияние на развитие кубизма: его учеником

являлся Р. де ла Френе.

[pic]

Э. Мунк. Крик. 1893

Особо активно в модерне складывалась экспрессионистическая тенденция,

начало которой положил Ван Гог. Гоген, связанный с символизмом, создававший

индивидуально творимый миф, дал примеры экспрессионистичности форм в своих

гравюрах на дереве, учил творческой свободе и “экзотизму”, покорял

слитностью пластики и организации ритмики. Вкус к гротеску шел от Тулуз-

Лотрека. Мистическо-философское искусство Э. Мунка и Дж. Энсора открывало

новый пути к познанию внутренних переживаний людей. Органично шло развитие

Венской школы от стилизаций Г. Климта к нервности линий Э. Шиле, а затем —

к экспрессионизму О. Кокошки. Протоэкспрессионистические черты заметны в

творчестве П. Модерзон-Беккер из “школы Ворсведе”, с которой поддерживал

дружеские контакты поэт Рильке. Модерзон-Беккер хотела почувствовать

“колебание формы в самой себе...”. Интерес к цветности живописи,

открывавший повышенную эмоциональную функцию цвета на палитре, наблюдался у

символиста Г. Моро и в “протофовистской живописи” К. Моне в 1880-е гг.

Сюрреалисты оценили работы “Малларме в живописи” О. Редона, который в

иррадирующем мареве показывал фантастические образы. “Свободный

интерпретатор природы”, как себя называл художник, учил колористическому и

образному метафоризму. Сюрреалисты, в частности С. Дали, ценили орнаменты

модерна, особенно в архитектуре Э. Гимара и А. Гауди.

“Школой мастерства” для многих представителей авангарда в начале XX в.

оставался импрессионизм, правда, не тот живой и жизнерадостный 1870-х гг.,

но импрессионизм “поздний”, “отредактированный” стилем модерн. Он получил

широкое распространение в разных странах. Интересно, что позднюю стадию

прошли и основатели самого движения: модернизм поздних панно К. Моне и

фовизм Ренуара в серии “Габриэль”.

Символизм, начавшийся с выходом в 1886 г. манифеста, написанного поэтом

Ш. Мореасом, многое дал для развития авангарда. Во-первых, образы, подобные

снам, видениям, культ мифологичности и ассоциаций; во-вторых, саму

стилистику: анти-перспективность и антииммитационность, абстрактную

ритмизацию форм и цвет, отчужденный от реальности. Энсор призывал учиться

рисовать, как дети. Характерно, что на рубеже веков складывается

оригинальное искусство “наивиста” А. Руссо. Критик А. Орье в 1991 г. писал,

что для символизма в живописи характерны “синтетизм форм” и субъективность.

Для развития абстрактного искусства, особенно В. Кандинского и Ф. Купки,

Страницы: 1, 2, 3, 4, 5, 6, 7, 8