Искусство Японии
А на поясе длинный меч.
(Перевод В. Марковой)
Впрочем, противоречие ли это? Может быть, здесь, на новом уровне,
воспроизводится извечная для японского духа и искусства гармония хаоса и
космоса, красоты и беспорядка, кротости и жестокости, ярости и
умиротворенности? Причем каждое из полярных качеств, свойств души и мира
доводится художником до максимального напряжения и подобно тетиве
натянутого лука. Да, воинам во всем мире — не в одной стране Восходящего
Солнца — приходилось не только любоваться цветущей сакурой или хризантемой
в монастырском саду, но и выполнять “черную работу” Истории — воевать,
борясь за объединение страны, защищая ее от врагов. И высокий смысл
искусства Камакура — времени расцвета бусидо и слияния его с философией
дзэн — состоит в том, что оно воспевало очистительную, всепоглощающую силу
долга, исполняемого и перед лицом смерти.
Ярким свидетельством появления светских мотивов в живописи стало
состоящее из четырех свитков известное эмакимо-но “Тёдзю гига” — сцены из
жизни животных, в том числе животных, подражающих людям. Это эмакимоно
написано тушью. Выдающимся по экспрессивности и технике исполнения является
относящееся к XIII веку эмакимоно “Ямай-но соси”, изображающее людей,
пораженных различными болезнями. Рисунки на этих свитках проникнуты
своеобразным юмором. Известно историческое эмакимоно “Повесть о монгольском
нашествии. В период Муромати (1392—1578) соотношение между буддийской
живописью, живописью в японском стиле и монохромной живописью решительно
сдвигается в пользу последней. Но с течением времени в ней появляются
контурные линии. В буддийской живописи также появляются новые формы.
Например. выдающийся мастер монохромной живописи Као Нин-га писал сильными,
грубыми мазками. Стиль известного художника Минтё, писавшего свитки на
буддийские темы, представляет собой нечто среднее между традиционной
буддийской живописью и монохромной живописью.
Величайшим художником периода Муромати является Сэссю (1420—1506),
который создал свой собственный стиль. Ему принадлежит выдающееся
произведение японской живописи “Длинный пейзажный свиток”, датированное
1486 г., имеющее в длину 17 м при ширине 4 м. На свитке изображены четыре
времени года. Сэссю был отличный портретист, о чем свидетельствует
написанный им портрет Масуда Канэтака.
В последние десятилетия периода Муромати происходит процесс
интенсивной профессионализации живописи. В начале XVI века возникает
знаменитая школа Кано, основанная Кано Масанобу (1434—1530), который
заложил основы декоративного направления в живописи. Одним из ранних
произведений жанровой живописи школы Кано является роспись художником
Хидэёри ширмы на тему “Любование кленами в Такао”.
С конца XVI века основными формами живописи становятся стенопись,
картины на складных ширмах. Произведения живописи украшают дворцы
аристократов, дома горожан, монастыри и храмы. Развивается стиль
декоративных панно — да-ми-э. Такие панно писали сочными красками на
золотой фольге.
Признаком высокого уровня развития живописи является существование в
конце XVI века ряда живописных школ, в том числе Кано, Тоса, Ункоку. Сога,
Хасэгава, Кайхо. Выдающиеся картины, созданные в этот период, принадлежат
не только известным живописцам, но и оставшимся безвестными мастерам.
В течение XVII—XIX веков исчезает ряд некогда прославленных школ, но
их место занимают новые, такие, как школа гравюры на дереве укиё-э, школы
Маруяма-Сидзе, Нанга, европейской живописи, а также школа, ратовавшая за
возрождение в живописи стиля ямато-э, т. е. старого японского стиля.
Центрами культуры и искусства позднего средневековья (оно затянулось в
Японии практически до XIX века) становятся наряду с древними городами Нара
и Киото новая столица Эдо (современный Токио), Осака, Нагасаки и др.
Расцвет специфической городской культуры и сопутствующих видов искусства
определил основное направление развития японского искусства в XVII—XIX
веках. При этом подверглись изменению как формы “бытования” искусства, так
и его общественная функция. Например, в архитектуре утратило свою ведущую
роль культовое зодчество, зато была создана четкая отработанная форма
жилого дома, имеющая не только практический, но и несомненный
художественный смысл. Соответственно в живописи возросла роль декоративных
интерьеров, росписей. Высочайшего уровня достигла также гравюра на дереве,
ставшая в XVIII—XIX веках главных видом японского искусства.
Вообще искусство эпохи Эдо (1615—1868) характеризуется особым
демократизмом (потребителями его являются самые широкие круги горожан —
третьего сословия) и сочетанием художественного и функционального. Примером
такого сочетания является живопись на ширмах. Ширма — вещь, имеющая точное
функциональное назначение в интерьере японского жилища, предмет быта.
Одновременно это — картина, произведение искусства, определяющее
эмоциональный тонус жилища, предмет эстетического созерцания. Именно на
парных ширмах написаны “Красные и белые цветы сливы” — самое значительное и
знаменитое из сохранившихся произведений великого художника Огата Корина
(1658—1716), шедевр, по праву причисляемый к лучшим созданиям не только
японской, но и мировой живописи. Одним из наиболее популярных жанров
японской мелкой пластики были нэцкэ. Происхождение их чисто практическое:
поскольку традиционная одежда японцев не знает карманов, все необходимые
мелкие предметы прикреплялись к поясу с помощью небольших брелоков — нэцкэ.
Вместе с тем, сохранив свое функциональное назначение, нэцкэ превратились в
силу непреходящих эстетических потребностей народа в разновидность тонкой
миниатюрной скульптуры.
В нэцке преломился художественный канон средневековья в сочетании с
ренесеансной раскованностью искусств в эпоху Эдо. Эти произведения
миниатюрной пластики как бы сфокусировали в себе тысячелетия пластического
опыта Японии: от диковатых догу Дзёмона, ханива Поздних Курганов до
канонической культуры средневековья, каменных будд и живого дерева Энку. Из
классического наследия заимствовали мастера нэцкэ богатство экспрессии,
чувство меры, завершенность и точность композиции, совершенство деталей.
Материал для нэцкэ был самым различным: дерево, слоновая кость, металл,
янтарь, лак, фарфор. Над каждой вещью (как правило, не более 10 см в
высоту) мастер трудился иногда целые годы. Тематика их варьировалась
безгранично: изображения людей, животных, богов, исторических лиц,
персонажей народных, поверий. Расцвет того чисто городского вида
прикладного искусства приходится на вторую половину XVIII века.
Интересна судьба упомянутой выше гравюры на дереве — укиё-э. В свое
время, в прошлом столетии, Европа, а затем и Россия именно через гравюру
впервые познакомились с феноменом японского искусства. Между тем в самой
Японии гравюру на дереве первоначально вообще не считали искусством, таким,
как живопись на ширмах или на свитках. Возникшая на стыке искусства и
ремесла, японская гравюра действительно имела все признаки массовой
культуры — тираж, доступность, дешевизну. Не случайно ее так и назвали —
“укиё-э” (слово “укиё” означает в переводе темное, мирское, обиходное”).
Мастера укиё-э добивались максимальной простоты и доходчивости как в выборе
сюжетов, так и в их воплощении. Сюжетами гравюр были в основном жанровые
сценки из повседневной жизни города и его обитателей: торговцев, артистов,
гейш.
Укиё-э, как особая художественная школа, выдвинула целый ряд
первоклассных мастеров. Начальный этап в развитии сюжетной гравюры связан с
именем Хисикава Моронобу (1618—1694). Первым мастерам многоцветной гравюры
был Судзуки Харунобу, творивший в середине XVIII века. Главные мотивы его
творчества — лирические сцены с преимущественным вниманием не к действию, а
к передаче чувств и настроений: нежности, грусти, любви. Подобно древнему
изысканному искусству эпохи Хэйан, мастера укиё-э возрождали в новой
городской среде своеобразный культ утонченной женской красоты, с той только
разницей, что вместо гордых хэйанских аристократок героинями гравюр стали
изящные гейши из увеселительных кварталов Эдо. Художник Утамаро (1753—1806)
представляет собой, может бьть, уникальный в истории мировой живописи
пример мастера, безраздельно посвятившего свое творчество изображению
женщин — в разных жизненных обстоятельствах, в разнообразных позах и
туалетах. Одна из лучших его работ — “Гейша Осама” находится в Москве, в
Музее изобразительных искусств им. А. С. Пушкина. Необыкновенно тонко
передано художником единство жеста и настроения, освещения и выражения
